la historia del Cristo de Velázquez

en la madrileña calle de San Roque se alza el convento de San Plácido, fundado por doña Teresa Valle de la Cerda en 1623. Antes de tomar los hábitos, la buena señora había mantenido relaciones amorosas con don Jerónimo de Villanueva, protonotario del reino y amigo personal de Felipe IV. Tras recibir de súbito la llamada divina, doña Teresa logró convencer a su antiguo prometido para que cediera un inmueble adyacente a su palacio, donde instaló un convento de monjas benedictinas. De este modo, don Jerónimo acabó viviendo al lado de doña Teresa, separado de ella tan solo por un muro y por las más severas prohibiciones del catolicismo.

don Jerónimo visitaba con frecuencia a las monjas de San Plácido, que eran sus protegidas. Un día como otro cualquiera observó a través de las celosías del locutorio la belleza de una de las hermanas, llamada sor Margarita. Lo comentó con el rey y al domingo siguiente pudo éste también comprobarlo durante la correspondiente visita, despertándose así en el monarca un ardiente deseo por la monja.

sabiendo que palacio y convento se hallaban pared por medio, Felipe IV exigió a Villanueva que abriera un acceso que le permitiera entrar en la celda de sor Margarita. Don Jerónimo, viéndose en un aprieto ―ya que no podía negarse al capricho real―, le comunicó a la priora las intenciones del rey. Doña Teresa, tras escucharle en silencio, le indica que cumpla la orden y añade enigmática: «Dios proveerá.»

dicho y hecho. La perforación se lleva a cabo con la mayor diligencia posible, y una vez terminada se informa al rey. Eran las once de la noche cuando el monarca atravesó el paso y penetró en el convento, dirigiéndose directamente a la celda de sor Margarita. Al abrir la puerta, su sorpresa fue grande: allí estaba la monja, inerte en un ataúd, amortajada y rodeada de blancos almohadones entre los rezos de sus compañeras. Don Felipe, aterrorizado, hizo la promesa de regalar al convento, en acto de desagravio, un cuadro que representara a Cristo obra de su pintor de cámara, Diego Velázquez, así como un reloj que tocaría a muerte cada cuarto de hora.

la treta de la priora dio resultado sólo por el momento, pues el monarca no tardó en descubrir el engaño. Tornó al convento y tomó lo que quiso. Se descubrió la profanación e intervino el Santo Oficio. Como éste no se atrevió a proceder contra el rey, descargó su indignación en Villanueva, que fue aprehendido.

el preso apeló al conde-duque, ya que todo se había hecho con conocimiento y anuencia de Olivares. El valido fue tajante. Llamó al inquisidor general y le dio a escoger: o una pensión de 1.700 ducados y el retiro en Córdoba para siempre a cambio de su espontánea dimisión, o le quitaba los beneficios eclesiásticos y le desterraba de España. El inquisidor aceptó la primera propuesta, advirtiendo que el proceso iba ya camino de Roma, llevado por el escribano Alfonso de Paredes. Se detuvo a Paredes cuando arribó a Génova y se recuperó el expediente, que fue quemado en la cámara real en presencia del monarca. Paredes dio con sus huesos en la cárcel y Villanueva fue liberado, aunque se le impuso la pena de prisión privada, la obligación de ayunar todos los viernes y la de no volver a pisar el convento de San Plácido, pero sí otorgarle un cuantioso donativo.

ronronea: claudia

el Hermitage de San Petersburgo

durante dos siglos ha corrido por los mundillos artísticos una persistente leyenda, según la cual los sótanos del Hermitage ocultarían un fabuloso tesoro compuesto por obras inéditas de grandes pintores europeos. A decir verdad, la magnitud del museo es tan abrumadora que se presta a imaginar sótanos secretos y tesoros ocultos: 2.500 salas con 2.300.000 objetos de arte, entre ellos 14.000 cuadros. Sólo el recorrido de las salas requiere una caminata de veinticuatro kilómetros. Si alguien quisiera pasar aunque sólo fuese un minuto en cada sala necesitaría una semana entera, dedicando ocho horas diarias a esta tarea.

en 1762 Catalina la Grande, tras suceder a su esposo Pedro III, se concentra en terminar de construir la vasta morada regia conocida como el Palacio de Invierno. Cuando empieza a buscar cuadros para adornar las 105 habitaciones, descubre que en Rusia no hay cuadro alguno. Francia parece poseerlos todos. De modo que, proporcionándole medios casi ilimitados, da al brillante enciclopedista francés Denis Diderot un simple encargo: «Compre todas las grandes colecciones que se ofrezcan en el mercado.»


después de adquirir un par de pinturas de escaso valor, Diderot supo, en 1770, que estaba a la venta la mejor colección de Francia, constituida por unas cuatrocientas obras maestras reunidas por Crozat el Pobre. Catalina las compró todas. En 1779 la Zarina dio un golpe semejante al adquirir la magnífica colección de Lord Walpole, primer ministro de los reyes Jorge I y Jorge II de Inglaterra. Esta se componía de ciento noventa y ocho obras, e hicieron de Catalina la coleccionista más grande de su época.


sin embargo, comenzaba a escasear el espacio en el Palacio de Invierno para tanta obra maestra, de modo que en 1764 Catalina autorizó la construcción de una galería contigua, coronada por un jardín colgante, con árboles, macizos de flores y fuentes de mármol. La Zarina dio a este edificio el nombre de Pequeño Hermitage. En 1775 añadió una segunda galería, a la que llamó el Viejo Hermitage. Las adquisiciones continuaron mucho tiempo después del fallecimiento de Catalina. Por ejemplo, Alejandro I compró el contenido íntegro de la Malmaison, que fuera palacio de la emperatriz Josefina. En 1839 se terminó una tercera galería, el gigantesco Nuevo Hermitage, y el conjunto de edificios se completó con un teatro.

en carta a Diderot, Catalina se ufanaba: «Sólo los ratones y yo podemos admirarlo todo». La Zarina negaba al público el acceso a su magnífica colección. Sus sucesores siguieron esta misma norma, hasta que finalmente en 1852 Nicolás I abrió las legendarias salas, que provocaron el asombro general. Aquellos salones figuraban entre los más suntuosos del mundo, decorados con raros mármoles de Italia y el Cáucaso, con paredes enteras de oro y de malaquita verde, cielos rasos adornados con alados cupidos de estuco y pisos taraceados de maderas preciosas, escaleras colmadas de mármol, pórfido y oro, corredores de columnatas y una espectacular galería en la cual se había reproducido, pincelada a pincelada, toda la serie de frescos pintados por Rafael en El Vaticano.

en el tercer piso del Palacio de Invierno hay un grupo de salas especiales que contienen el principal tesoro pictórico del Hermitage: docenas de Matisse, treinta y uno de los mejores Picasso, catorce magníficos Gauguin, diez Cézanne y otras obras de los más destacados entre los impresionistas. Esta colección en concreto tuvo un origen bastante casual. En los primeros años de este siglo dos modestos comerciantes moscovitas, Sergei Shchukin e Ivan Morosov, hacían la mayoría de sus importaciones de París. En sus visitas a aquella ciudad les sedujo, inexplicablemente, la obra de un grupo de pintores a la sazón desconocidos: Van Gogh, Gauguin, Matisse y Picasso. Desdeñando el escepticismo de sus amigos compraron y se llevaron a Moscú no un Matisse ¡sino cuarenta! Sin darse cuenta, Shchukin y Morosov habían adquirido la colección más grande del mundo, de las primeras obras de los pintores más destacados del siglo XX.


y un cotilleo picante: al parecer el arte no fue la única afición de Catalina la Grande. Durante la Segunda Guerra Mundial, un grupo de soldados soviéticos descubrieron en los palacios de Tsárskoye Seló una habitación completamente decorada con motivos eróticos: sillas, escritorios, pantallas.. todo el mobiliario, incluso las paredes. Recientemente, expertos del Hermitage han confirmado la existencia de esta «habitación erótica», creada para disfrute de la Zarina y su amante Grigori Orlov, y hasta se han llegado a difundir algunas fotos.

ronronea: claudia

monumento al amor

la reina Mumtaz nació en 1593, hija de un noble persa. Se llamaba Arjumand y, según la leyenda, era extraordinariamente bella. A la edad de quince años se prometió en matrimonio al príncipe Khurram ―el futuro Emperador Shah Jahan― y un lustro después, el 20 de mayo de 1612, se celebró la boda en la fecha determinada por los astrólogos. El enamorado príncipe confirió a su esposa el título de Mumtaz Mahal («Predilecta del Palacio»). El nombre de su sepulcro ha pasado a la historia en una distorsión de este vocablo: Taj Mahal.

la pareja tuvo catorce hijos, de los cuales únicamente sobrevivieron siete. Cuando murió el Emperador Jahangir, padre de Khurram, éste subió al trono. Su primera orden fue la ejecución o el exilio de todos sus parientes masculinos, para prevenir una más que probable usurpación. Así comenzó un reinado que, a lo largo de 31 años, se caracterizó por una administración pacífica y ordenada, construcciones magníficas, estímulo a las artes y una espléndida extravagancia que asombró a los diplomáticos europeos en la Corte.

de repente, en junio de 1631, sobrevino la tragedia. Mumtaz Mahal murió de parto. El Emperador quedó desolado. Prohibió la música en la Corte, dejó de vestir túnicas de vivos colores y chales recamados, y guardó luto de riguroso blanco. Durante algún tiempo se negó a aparecer en público. «El rey ha decidido construir un sepulcro para su esposa fallecida, la reina Tage Mahal, a quien amaba tiernamente», escribió Peter Mundy, un inglés que se encontraba por aquel entonces en la India. «Será algo que supere todo lo conocido».

veinte mil trabajadores fueron empleados para el Taj, cuyas obras se iniciaron en 1632 y no finalizaron hasta veintidós años después. Escultores, lapidarios, artistas en taracea y pintores al fresco llegaron de todo el país y de más allá: el tallista de flores, desde Bukhara, en el Asia Central; el constructor de cúpulas, Ismail Khan Rumi, desde Constantinopla. Fue contratado el mejor calígrafo de la época, Amaret Khan Shirazi. Los especialistas, largo tiempo intrigados ante la identidad del arquitecto, coinciden por fin en afirmar que fue Ustad Ahmad, de Lahore. El mármol salió de las canteras de Makrana y Raiala, en el Estado de Rajastán; también de Rajastán llegaron granates, y el lapislázuli de Ceilán. En total se usaron más de cuarenta variedades de piedras semipreciosas, incluyendo turquesas del Tibet.

el Emperador Shah Jahan sobrevivió 35 años a su esposa, pero no tuvo un final feliz. Sus hijos, los hijos de Mumtaz Mahal, lucharon duramente por el trono. El astuto Aurangzeb resultó victorioso y encarceló a su padre en el fuerte de Agra. Allí, a menudo sufriendo privaciones, atendido solamente por su hija Jahanara, Shah Jahan pasó los últimos siete años de su existencia, consagrado al rezo y a la meditación. La prisión estaba ubicada tan solo a unos cientos de metros del Taj Mahal, de modo que el príncipe pudo contemplar a diario el sepulcro de su amada esposa hasta el día de su muerte, en enero de 1666.

ronronea: naia

Ferdinand Porsche, padre del Volkswagen

el motor de combustion interna era poco más que una idea en 1875, cuando nació Ferdinand Porsche en la localidad austríaca de Maffersdorf (hoy en la República Checa). En realidad, había buenas razones para creer que el «coche sin caballos» sería impulsado por electricidad o vapor de agua.

desde los 22 hasta los 55 años trabajó como asalariado en diversas Compañías. Su logro más destacado durante este período fue un vehículo compacto para tres pasajeros que causó sensación en la Exposición de París de 1900. Los cubos de las ruedas delanteras contenían sendos motores eléctricos de dos caballos y medio, capaces de impulsar el vehículo a una velocidad de sesenta kilómetros por hora, y por primera vez en la historia automovilística, frenos a las cuatro ruedas.

en 1930 decidió independizarse y abrió un estudio en Stuttgart para desarrollar diseños de motores e ideas para otras Compañías. La Oficina de Construcciones Porsche (Dr. Ing. h.c. F. Porsche GmbH, Konstruktionen und Beratungen für Motoren und Fahrzeugbau), que empezó con diez amigos, era al principio una empresa muy modesta. El espacio disponible resultaba insuficiente, para salir adelante Porsche tuvo que pedir dinero prestado, y los sueldos se pagaban cuando era posible, a veces de manera fragmentaria. Sin embargo, de tan modesta oficina salieron algunos modelos que hicieron época. Uno de los primeros fue una versión revolucionaria de la suspensión de barra de torsión, sistema que Porsche y su proyectista jefe, Karl Rabe, perfeccionaron para reemplazar la pesada suspensión de ballestas o muelles en espiral de los coches anteriores. Tal sistema se vendió a Morris, Citroën, Standard, Volvo, Alfa Romeo y otras Compañías. No menos originales fueron los planos que trazó para el futuro «coche popular». En primer lugar, su motor se refrigeraba por aire. Además estaba colocado tan atrás del conductor que sobresalía del eje trasero. Los cuatro cilindros estaban apareados horizontalmente, lo cual constituía otra innovación radical y un anticipo de la disposición básica que se ha adoptado desde entonces en todos los automóviles Porsche.

encontrar quién estuviera dispuesto a producir este coche en serie resultó empresa mucho más difícil que diseñarlo. Cuando Hitler fue nombrado canciller, en junio de 1933, Porsche vio la oportunidad porque el Führer, en sus campañas anteriores, había prometido apoyar la industria automovilística alemana. Consiguió una audiencia con Hitler, y pocos meses después le presentó un memorándum sobre el futuro Volkswagen. Porsche y sus colaboradores encargaron piezas a distintas Compañías y las montaron en el garaje de la casa de Porsche, que ensanchó y convirtió en taller. En 1936 estaban listos los primeros prototipos para las pruebas, y se presentaba el problema de la producción en serie. La meta oficial era millón y medio de Volkswagen, pero en aquella época no había en toda Europa ninguna fábrica capaz de hacer salir tantos automóviles de sus cadenas de montaje. Con el fin de estudiar cómo lo habían resuelto los estadounidenses, Porsche hizo dos viajes a EE.UU. Mientras tanto, se llevaban a cabo experiencias con una serie de pre-producción de treinta Volkwagen por carreteras de montaña y por un total de más de dos millones de kilómetros, la prueba más completa a que se había sometido hasta entonces un coche en Europa. Como resultado se autorizó la producción, y en mayo de 1938 se inició la construcción de una fábrica cerca del pueblo de Wolfsburg.

cuando ésta se terminó, en octubre de 1939, había estallado ya la II Guerra Mundial. La factoría se entregó al ejército, y Porsche fue nombrado presidente de la Comisión de Blindados del Ministerio de Producción de Guerra. Entonces adaptó el Volkwagen a las necesidades militares para producir el Kübelwagen, coche de reconocimiento parecido al jeep, cuyo motor refrigerado por aire resultó valiosísimo tanto en las estepas rusas como en el desierto norteafricano. Una adaptación más ingeniosa aún fue su Schwimmwagen, vehículo anfibio impulsado por hélices, del cual se construyeron más de 17.000 unidades durante la guerra. Mientras tanto, la pequeña Oficina de Construcciones Porsche en Sttutgart se convirtió en un negocio importante, con su propia fábrica.

había sido un destacado colaborador de la industria armamentística nazi y además utilizó mano de obra forzada en sus fábricas, de modo que al final de la guerra fue arrestado, primero por los estadounidenses, que lo pusieron en libertad a los pocos meses, y luego por los franceses, que lo tuvieron preso casi dos años. Durante ese confinamiento, fue forzado a trabajar en diseños para Renault, del que saldría el futuro modelo 4CV. Su fábrica de Sttutgart fue confiscada por las autoridades de ocupación, y cuando por fin quedó libre, en 1947, no tenía un centavo. Con todo, al poco de recuperar la libertad ya estaba trabajando en un modelo deportivo que fue el precursor de los aerodinámicos Porsche actuales. Al año siguiente la Compañía Volkswagen se rehizo e inició la producción, pagándole al inventor una regalía por cada coche fabricado. En pocos años facturaban una fortuna.

en 1950, el día que cumplió 75 años lo celebraron en Sttutgart con el primer rally de automóviles Porsche. Cuatro meses después fallecía Ferdinand Porsche. En 1999 fue nombrado ingeniero automovilístico del siglo XX, a título póstumo.

ronronea: levina

sobre Jodie Foster y eso

estos días el colectivo lésbico anda dando palmas con las orejas porque Jodie Foster, en el discurso de recogida de los Globos de Oro, «ha salido por fin del armario». En las gatas no somos demasiado dadas a la prensa rosa, pero como el asunto tiene bemoles hoy le voy a dedicar unas líneas.

es sabido que durante su juventud Jodie frecuentó abiertamente los ambientes lésbicos ―a comienzos de los 80, siendo estudiante en Yale, solía acudir a las fiestas acompañada de sus girlfriends―, pero en 1985, cuando regresó a Hollywood, se adaptó a las reglas de la industria y ocultó su homosexualidad. Su carrera en el cine sólo logró despegar tras protagonizar el papel de víctima de una violación en la película Acusados, por la cual obtuvo el Oscar a la mejor actriz en 1988. Ahora estaba en el centro del huracán, pero Jodie tenía buenos motivos para proteger su intimidad, además de sus tendencias sexuales: en 1981 un fan desquiciado llamado John Hinckley disparó a Reagan, según declaró posteriormente, «para impresionar a Jodie Foster», a quien idolatraba desde su interpretación de una niña prostituta en Taxi Driver.

sin embargo, al estreno de El silencio de los corderos la determinación de Jodie de defender su vida privada no sirvió de nada frente a la furia de la comunidad gay y lesbiana, que interpretó el personaje del psicópata transexual como una figura homófoba. El 20 de febrero de 1991, un individuo llamado Michelangelo Signorile abrió el fuego en su columna de la revista gay OutWeek: «si tu lesbianismo es tan sagrado, tan privado como para infringir tus malditos derechos si se menciona en público, lo menos que puedes hacer es abstenerte de protagonizar películas que insultan a esta comunidad. ¿Es eso mucho pedir de ti? Contra Ted Levine, el actor que interpretaba a Buffalo Bill no dijo nada, ni tampoco contra el director, ni contra ningún otro actor. Jodie monopolizó toda la furia de estos fanáticos.

más perlas del tal Signorile: «cada vez que Jodie Foster se folla a su novia, me siento como si me estuviera golpeando en la cabeza. Ella está encerrada en su gran casa de California, mientras a mi me golpean en las calles. Ella se beneficia de todos los privilegios de esta cultura heterosexual porque pasa, porque tiene el aspecto, porque tiene el dinero. Es nuestra propia homofobia internalizada lo que nos hace amarla. Podemos incluso llegar tan lejos como para ponerla en un pedestal feminista. ¿De dónde sale esa idea? ¿Cuándo fue la última vez que la he visto en una manifestación por el derecho al aborto, o luchando por las mujeres o por cualquier otra causa, como el movimiento gay-lésbico? Ella no es feminista. Una feminista pone a las mujeres primero y defiende a las mujeres, a todas las mujeres. Y eso incluye a las lesbianas.»

en suma, que por ser mujer, lesbiana, actriz de éxito, no activista, y por protagonizar una película que no les gustó, Jodie Foster se convirtió en el chivo expiatorio de toda la homofobia e injusticia del mundo mundial. El resto de la historia es conocido: los medios de comunicación se hicieron eco del debate y sobre todo del cotilleo (que es bien sabroso, y más en aquella época), grupos de activistas homosexuales se apostaron a las puertas de los cines por todo el país con pancartas alusivas a la sexualidad de Jodie, y en poco tiempo la noticia de su lesbianismo se había extendido por todo el globo. Como consecuencia su carrera se vio truncada, la actriz pasó al cine independiente y producciones menores, no volvió a protagonizar ninguna superproducción de Hollywood al nivel de El silencio de los corderos, y por supuesto nunca más le dieron un Oscar.

he escuchado con atención el último discurso de Jodie Foster y me parece que fundamentalmente no dice nada que no se supiera, y una vez más lo que lleva reivindicando durante tres décadas, que se respete su vida privada. Pero esta vez las mismas lesbianas radicales que se consideran con derecho a sacar del armario a patadas a quien les venga en gana ―que si no se puede ser otra cosa, siempre se puede hacer vida y profesión del lesbianismo― la ríen encantadas la gracia. Tanto pedir libertad y respeto y así aplican ciertas lesbianas y gais radicales la libertad y el respeto, sólo cuando la gente hace lo que a ellxs les parece conveniente.

ronronea: levina

top 5 duelos de damas

la primera forma de duelo en Europa fue el llamado «duelo judicial», un juicio por combate practicado con cierta frecuencia durante la Edad Media: si el/la acusado/a de un delito se declaraba inocente, el asunto se resolvía en duelo, por lo general a espada, entendiéndose que dios daría la victoria a quien tuviera la justicia de su parte. El duelo judicial, del que sólo estaban dispensados los niños y los eclesiásticos, se celebró hasta finales del siglo XVI (excepto en Inglaterra, donde siguió siendo legal hasta 1819, si bien no se permitía participar a las mujeres). Tras ser eliminado del sistema judicial no desapareció, sino que la costumbre prosiguió entre la nobleza de toda Europa, como el método más apropiado para resolver en privado litigios de honor.

y no sólo se batían los varones. Existe constancia de duelos esporádicos entre damas desde el siglo XVI, si bien el momento álgido de este tipo de duelos se dio a mediados del siglo XVII. En Francia, Italia, Inglaterra y Alemania las damas cruzaban espadas por los motivos más nimios, como una mala mirada o coincidir con el mismo vestido en una fiesta. La ferocidad de los enfrentamientos femeninos era inusitada: de cada diez duelos, ocho acababan en muerte (frente a los cuatro de media entre los varones). Las señoras estaban tan habituadas a las armas que incluso posaban para los retratistas espada en mano. La costumbre se prolongaría durante los siglos XVIII, XIX y hasta principios del XX, curiosamente asociada a la emancipación de la mujer.

en 1552 en Nápoles, Isabella de Carazzi y Diambra de Pettinella se batieron en duelo por el amor del caballero Fabio de Zeresola. Toda la ciudad se escandalizó al conocer la noticia. Asistió al duelo como testigo el virrey español, el marqués del Vasto, así como un gran número de espectadores. El duelo fue tan sonado que José de Ribera lo representó en un cuadro llamado Duelo de mujeres, que hoy se encuentra en el Museo del Prado.

a mediados del siglo XVII la condesa de Saint-Belmont, ya viuda, envió una tarjeta de desafío a un funcionario que había sido descortés con ella. Firmó la tarjeta como «Caballero de Saint-Belmont» y el individuo aceptó, sin sospechar que se enfrentaba a una mujer. La condesa le desarmó fácilmente, y cuando ya le tenía a su merced le dijo: «se equivoca si cree que ha estado luchando con un caballero. Soy la Señora de Saint-Belmont, y le insto a ser más sensible a las peticiones de las mujeres.»

hacia 1675, Hortensia de Mancini, duquesa de Mazarino, era célebre en la sociedad de la época como esgrimista, jugadora y pistolera. Mantenía una relación lésbica con Anne, condesa de Sussex, hija ilegítima del rey y de la duquesa de Cleveland. El affaire acabó en un duelo de esgrima amistoso ―y muy público― entre las amantes en el parque de St James, después del cual el marido de Anne ordenó a su esposa que abandonase la ciudad (offline, la vida de Hortensia de Mancini daría para una estupenda película).

en 1721, la condesa de Polignac y la marquesa de Nesle se batieron a causa de su común amante, el duque de Richelieu. El primer disparo de Madame de Nesle rompió la rama de un árbol, que cayó sobre su oponente. Madame de Polignac tuvo mejor puntería: su bala se incrustó en el corsé de Madame de Nesle, provocando un poco de sangre sobre el pecho izquierdo. Aunque ninguna salió ilesa, las heridas no fueron graves, y pudieron despedirse con honor (y con vida).

el duelo más célebre entre dos damas tuvo lugar en agosto de 1892 en Vaduz, capital de Liechtenstein, entre la princesa Pauline Metternich y la condesa Kielmannsegg. Ha pasado a la historia como «el primer duelo emancipado», porque todas las participantes fueron mujeres. El arma elegida fue la espada. En la tercera ronda la princesa recibió un corte en la nariz y la condesa resultó levemente herida en un brazo. Entonces las testigos ―otras dos damas de la nobleza― se apresuraron a detener el duelo, declarando vencedora a la princesa Metternich.

el motivo del enfrentamiento fue un desacuerdo entre las dos damas sobre los arreglos florales de un festival musical. El duelo fue organizado y presidido por la baronesa Lubinska, que estaba licenciada en Medicina (algo poco habitual en la época) y dispuesta a tratar cualquier herida que se produjeran las contendientes. Antes de iniciarse el duelo, la baronesa observó que muchas de las lesiones leves que se producían en duelo solían agravarse a causa de la infección, ya que las espadas introducían el tejido de las ropas en las heridas. Para contrarrestar este peligro, sugirió que las contendientes luchasen desnudas de cintura para arriba. Así, durante la época victoriana tardía, el batirse a espada con el pecho desnudo se convirtió en una práctica habitual en los duelos femeninos. Esta costumbre no tenía ninguna connotación sexual, sencillamente era una forma de evitar que un duelo a primera sangre acabase en muerte.

para ver más:
women in armed duels (fscc, en ruso e inglés)
duelling women (history hoydens, en inglés)
females who fight formally (woa.tv, en inglés)
lista de famosas duelistas (wikipedia, en inglés)

ronronea: levina

top 10 damas de armas (2 de 2)

Marina Raskova. Aproximadamente 1.000.000 de mujeres lucharon en las filas del Ejército Rojo durante la II Guerra Mundial, ocupando todos los grados y con presencia en todos los cuerpos del ejército, desde oficiales a guerrilleras, pasando por médicos, aviadoras, francotiradoras, tanquistas.. entre ellas me parece especialmente atractiva la aviadora Marina Raskova, la primera mujer en obtener la licencia de piloto en la Unión Soviética, y que se distinguió durante la II Guerra Mundial por organizar los regimientos femeninos de caza y bombardeo nocturno, conocidos popularmente como «Las Brujas de la Noche.»

entre 1935 y 1938 logró varios récords de vuelo, entre los que destaca el récord de vuelo sin escalas, 5947 km. en línea recta desde Moscú hasta Komsomolsk, como miembro de una tripulación femenina. A la altura de Siberia el avión acumuló hielo en las alas, descendiendo peligrosamente, lo que las obligó a aminorar todo el peso posible. Raskova, que era la tripulante en vuelo, marcó el rumbo en un mapa y se lanzó en paracaídas en medio de la oscuridad siberiana. Así el avión pudo llegar a su destino sin novedad. Raskova fue rescatada más tarde por un cazador, y recibió la Estrella de Oro de los Héroes Soviéticos por la hazaña.

cuando en 1941 Alemania invadió la Unión Soviética Raskova, que ya ostentaba el grado de Mayor en la Fuerza Aérea Soviética y tenía un enorme prestigio como aviadora, convenció al mismísimo Stalin para formar el Grupo de Vuelo Especial No. 122, íntegramente formado por mujeres, desde los pilotos hasta los mecánicos. En abril de 1942 ya había tres regimientos listos para el combate. Volaban a muy baja altura, apagando los motores antes de llegar al objetivo, con lo que a menudo lograban sorprender a los alemanes. Las Brujas de la Noche realizaron unas 29.000 misiones de guerra. Raskova no sobrevivió a la guerra, falleció en accidente de vuelo en 1943.

Hanna Reitsch. Si alguna mujer pudo dar réplica a Raskova en el bando alemán, fue sin duda Hanna Reitsch, reconocida como una de las mejores pilotos de todos los tiempos. Su lista de récords, antes de la guerra, es sencillamente impresionante: marca de duración de vuelo sin motor (5 horas 30 minutos, 1931); marca de duración de vuelo sin motor (11 horas 30 minutos, 1933); récord de altura femenino (2.800 metros, 1934); récord de distancia para planeadores (305 km, 1936); y también fue la primera en cruzar los Alpes en planeador, en 1937.

al comenzar la guerra fue reclutada como piloto de pruebas de la Luftwaffe, participando en arriesgadas misiones de las cuales salió herida en numerosas ocasiones. Como reconocimiento a sus servicios fue condecorada con la Cruz de Hierro de Primera Clase ―es la única mujer que ha recibido tal distinción en toda la historia de Alemania―, la Cruz de Hierro de Segunda Clase y el Distintivo Aéreo Militar de Oro con Diamantes.

quizá su hazaña más conocida, ya la final de la guerra, fue la de atravesar el cerco soviético que rodeaba Berlín pilotando una Fieseler Fi 156 Storch. Aterrizó a unos pasos del búnker de Hitler e intentó convencerle para que abandonara la ciudad con ella. A continuación despegó y, con muchas dificultades, logró superar por segunda vez el cerco enemigo, según ciertas versiones con Hitler a bordo, y con destino a algún rincón de Latinoamérica. En mayo de 1945 fue capturada por los estadounidenses. Permaneció recluida durante dieciocho meses hasta que finalmente la liberaron.

Julie d'Aubigny (1670-1707), conocida como «La Maupin», fue una famosa cantante de ópera francesa, y además una notable espadachina que gustaba de vestir de varón. Su tumultosa vida inspiró romances y novelas, quizá la más interesante Mademoiselle de Maupin, de Théophile Gautier. Madame d'Aubigny adquirió en la época reputación de mujer salvaje, que a menudo se batía en duelo con los jóvenes aristócratas. Una noche se enfrentó con tres escuderos, hiriendo a uno de ellos en el hombro. Al enterarse que se trataba de Louis-Joseph d'Albert de Luynes, hijo del duque de Luynes, fue a visitarle en ropas femeninas y le convirtió en su amante. La Maupin cayó en desgracia en 1693 cuando, contraviniendo las leyes del rey que prohibían los duelos, se enfrentó a varios jóvenes espada en mano, en medio de un baile cortesano.

Milunka Savić (1888-1973) es la combatiente femenina más condecorada en toda la historia de la guerra: dos Legiones de Honor francesas, una Cruz de San Jorge rusa, una Orden de San Miguel británica, una Cruz de Guerra francesa, dos estrellas Karađorđe con Espadas y la Milos Obilic de Serbia.

proveniente de una familia serbia, en 1913 su hermano fue llamado a filas para participar en la Segunda Guerra de los Balcanes. Milunka se cortó el pelo, vistió ropa de hombre y fue en su lugar. Ese mismo año resulta herida en la batalla de Bregalnica, descubriéndose su auténtico sexo. Al inicio de la Primera Guerra Mundial, y viendo que no la llamaban a filas, solicita una entrevista con el Voivode Stepa Stepanović, quien la ofrece un puesto de enfermera, a lo que ella responde: «no quiero ser enfermera, quiero una pistola». Es asignada al II Regimiento de Infantería de la División Drina, donde logró capturar ella sola a veinte soldados alemanes. Durante el período de servicio fue herida no menos de nueve veces, en ocasiones de gravedad.

desmovilizada en 1919, rechazó una oferta para trasladarse a Francia con una cómoda pensión de excombatiente, prefiriendo en cambio vivir en Belgrado, donde sus hazañas pronto fueron olvidadas y tuvo una vida muy humilde, trabajando como señora de la limpieza.

Martha Jane Canary-Burke (1852-1903), más conocida como «Calamity Jane», es una de esas aventureras infames, envueltas en la leyenda y el misterio. En 1868, a la edad de dieciséis años, falleció su padre y tuvo que hacerse cargo de sus seis hermanos. Se trasladó con ellos a Fort Bridger, y más tarde a Piedmont (Wyoming), donde aceptó cualquier trabajo para mantener a su familia: lavaplatos, cocinera, camarera, enfermera, prostituta.

en 1870 abandonó a sus hermanos y se alistó como exploradora del ejército, adoptando una vida más libre y salvaje. En las Grandes Llanuras sirvió en diversas campañas contra los indios. Siguió ejerciendo ocasionalmente la profesión de prostituta, mintió descaradamente sobre sus relaciones con los grandes personajes de la época, y estuvo alcoholizada la mayor parte de su vida. Por otra parte, al parecer fue una mujer compasiva y generosa, en especial con los enfermos y necesitados, lo que la granjeó el cariño de los desheredados de la frontera. Pasó sus últimos años de forma miserable, de gira con los espectáculos del Salvaje Oeste.

para ver más:
* chronologic history of female warriors, military commanders and duelists (fscc, en inglés y en ruso)
* artistas o guerreras (tag mujeres en los frentes de guerra)
* las 600 mujeres soldado de la Guerra de Secesión (meridianos)

la primera parte: top 10 damas de armas (1 de 2)

ronronea: levina

top 10 damas de armas (1 de 2)

si pensamos en mujeres que lucharon en los ejércitos en épocas históricas, no vienen demasiados nombres a la cabeza: Juana de Arco, Catalina de Erauso.. sin embargo, un número sorprendente de mujeres han destacado a lo largo de los siglos por su belicosidad y valor. A ellas está dedicada esta serie.

Nadezhda Andréievna Durova
(1783-1866) vestida con ropajes masculinos, luchó durante más de una década en el ejército ruso, obteniendo numerosas condecoraciones y honores. Además, se trata de la primera mujer que alcanzó el grado de oficial en el ejército ruso.

su historia es fascinante: hija de un capitán de caballería, la familia llevaba una vida nómada, viajando detrás de las tropas. Pero la madre deseaba desesperadamente un varón, y a tal punto llegaba su repulsión hacia la niña que siendo todavía un bebé la lanzó por la ventana del carro, exasperada por sus lloros. A la vista de la situación uno de los soldados recibió orden de hacerse cargo de la niña, que se crió con la tropa, aprendiendo desde muy temprana edad el oficio de soldado. Tras un fugaz matrimonio, a la edad de veinticuatro años abandonó hijo y esposo, alistándose como hombre en un regimiento polaco de ulanos.

Durova luchó en las batallas de Gutschadt, Geilsberg y Friedland, mostrando un notable coraje y dotes militares. En una de las batallas salvó la vida de un oficial herido y fue condecorada con la Cruz de San Jorge y el grado de oficial. Descubierta su condición femenina, el Zar Alejandro I se interesó por el caso, permitiéndola permanecer en ejército con el nombre de Aleksandr Andreevich Aleksandrov. Bajo este mismo nombre combatió cuando Napoleón invadió Rusia, participando en las batallas de Smolensk, Monasterio Kolotsk y Borodino ―donde fue herida gravemente en una pierna y obtuvo el grado de capitán―, y también en el frente alemán, en las batallas de Hamburgo Harburg y Fortaleza Modlina. Tras su retiro siguió vistiendo traje masculino el resto de su vida, y odiaba cuando alguien se dirigía a ella como mujer.

Tomoe Gozen (1157?-1247)
es la más famosa guerrera samurai de la historia del Japón. Según el Cantar de Heike, «Tomoe era especialmente hermosa, de piel blanca, pelo largo y bellas facciones. También era una excelente arquera, y como espadachina era una guerrera que valía por mil, dispuesta a confrontar un demonio o un dios, a caballo o en pie. Domaba caballos salvajes con gran habilidad; cabalgaba por peligrosas pendientes sin rasguño alguno. Cuando quiera que una batalla era inminente, Yoshinaka la enviaba como su primer capitán, equipada con una pesada armadura, una enorme espada y un poderoso arco; y ella era más valerosa que cualquiera de sus otros guerreros.»

María de Estrada combatió en México, junto a Hernán Cortés, entre 1519 y 1524. Su aventura americana fue tremendamente azarosa: primero su barco naufragó en la isla de Cuba, siendo los supervivientes masacrados por los nativos. María se salvó milagrosamente de la matanza, viviendo varios años entre los nativos, hasta que fue liberada por una expedición española en 1513.

en mayo de 1520 aparece de nuevo, entre las tropas de Cortés, luchando como soldado en la Noche Triste y en la batalla de Otumba. Sobre su valor en batalla, Bernal Díaz dejó dicho: «se mostró valerosamente una señora llamada María de Estrada, haciendo maravillosos y hazañeros hechos con una espada y una rodela en las manos, peleando valerosamente con tanta furia y ánimo que excedía al esfuerzo de cualquier varón, por esforzado y animoso que fuera, que a los propios nuestros ponía espanto.»

entre sus hazañas se cuenta haber vencido en duelo a Pánfilo de Nárvaez, y también fundó la ciudad de Puebla.

Anne Dieu-le-Veut (nacida hacia 1650 en algún lugar de Francia) fue una bucanera conocida por su ferocidad en todo el Mar Caribe. Según la leyenda inició sus andanzas en torno al año 1683, cuando desafió en una taberna al famoso corsario Laurens de Graaf ―Laurens sacó su espada, y Anne una pistola―, quien se enamoró de su valor y la llevó con él a una vida de piratería.

Anne navegó durante años junto a Laurens y combatió a su lado, hasta que finalmente fue capturada por los españoles tras una cruenta batalla naval. Tal era la fama de Anne que el propio Luis XIV de Francia intervino para salvarla del patíbulo, y la muchacha fue liberada como una merced especial entre reyes. Después de este episodio no se volvió a saber nunca más de ella.

Phoebe Hessel (1713-1821). Me hace gracia la historia de esta mujer, que encuentro muy victoriana en alguna extraña manera. Disfrazada de hombre, se alistó en el Regimiento No. 5 de Infantería para servir junto a su amante, Samuel Golding, con quien estuvo destinada en las Indias Occidentales, y más tarde a Gibraltar. Ambos fueron heridos en la batalla de Fontenoy en 1745.

finalmente reveló su posición a la esposa del coronel del regimiento, y los amantes fueron eximidos del servicio para casarse. Según otra versión de un sargento del regimiento, el sexo de Phoebe salió a la luz cuando la desnudaron para azotarla. Su único comentario en tal situación fue: «golpea y condénate.»

se fueron a vivir a Plymouth, donde tuvieron nueve hijos, de los cuales ocho murieron en la infancia y uno en el mar. Cuando Golding murió, Phoebe se mudó a Brighton para casarse con el pescador Thomas Hessel. A los ochenta años se quedó viuda de nuevo, y para subsistir vendía pequeños artículos, como naranjas y pan de jengibre, en una esquina cerca del Pabellón de Brighton. Debido a su inusual experiencia y avanzada edad —llego a los 108 años— se convirtió en una celebridad en Brighton, hasta el punto que hoy existen en Londres dos calles en su honor: Amazon Street y Hessel Street.

la segunda parte: top 10 damas de armas (2 de 2)

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vida y muerte de Juan VIII

Juan VIII (820-882) fue un Papa fuera del armario. Cuando subió al solio papal en el año 872, su homosexualidad era pública en todo el orbe cristiano. Se rodeó de una corte de bellos jóvenes a los que nombró sacerdotes y obispos, de vida tan disoluta que el escándalo acabó provocando la revuelta de los duques Lamberto de Spoleto y Adalberto de Toscana. Al parecer la gota que colmó el vaso fue una queja formal contra el Santo Padre, por parte de una noble familia de Roma. La historia no tiene desperdicio: tras la celebración litúrgica, Juan VIII había convocado a un joven de dieciséis años y rubios cabellos en sus aposentos. Cuando el padre del joven entró en la estancia, encontró al Papa con su santo miembro erguido persiguiendo al chaval por toda la habitación.

ante el avance de las tropas de Lamberto, Juan VIII se vio obligado a huir y refugiarse en Rávena, mientras pedía protección al emperador Carlos el Calvo. Entonces Carlos falleció de manera inesperada, y el Papa tuvo que huir de nuevo, esta vez a la ciudad de Génova. Allí volvió a hacer de las suyas, tomando como amante al marido de una joven de buena familia. Durante un banquete celebrado en el año 882, los suegros del amante del Papa decidieron envenenar a Juan VIII, para evitar el escándalo y una situación ciertamente incómoda a su adorada hija. El Papa comió una buena cantidad de codornices envenenadas, pero no las suficientes como para morir, para desazón de la familia deshonrada. La noche del 15 de diciembre, el suegro del amante decidió solventar el tema de una vez por todas y entró en las estancias papales con un martillo, arreándole al Papa diez martillazos en el cráneo. Esta vez sí se murió.

es creencia generalizada que el afeminamiento de Juan VIII pudo dar origen a la leyenda de la Papisa Juana, pues así es como se le llamaba, por mal nombre, en su época.

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Houdini y los espiritistas

en 1913, mientras Houdini se dirigía a Copenhague, falleció su madre, la cual le había apoyado siempre. Sin poder resignarse a su pérdida, ni perdonarse por no haber estado en su lecho de muerte, dejó a un lado su escepticismo y empezó a visitar médiums y espiritistas con la esperanza de comunicarse con ella. Pero todos los médiums resultaron simples charlatanes. La gota que hizo rebosar el vaso llegó cuando, en una sesión, una voz ―hablando en un inglés con acento de Oxford― aseguró a Harry que era su madre y que se encontraba feliz «en el otro mundo». La madre de Houdini nunca había hablado bien inglés, y el poco que hablaba tenía un marcado acento yiddish. Furioso, Houdini emprendió una cruzada que le convirtió en el terror de todos los espiritistas impostores.

en su afán de desenmascarar falsos médiums, Houdini se mostró infatigable. Su caso más célebre se centró en una bella y rubia médium de Boston llamada Margery. Tan convincentes eran sus sesiones ―en las cuales, bajo la mesa, se colocaba una caja con campanillas, mediante la cual se suponía que los espíritus respondían a las preguntas―, que una reputada y seria publicación, el Scientific American, estaba dispuesta a pagarle los 2.500 dólares que ella había pedido por un contacto auténtico con el mundo de los espíritus. En junio de 1924, Houdini ―que había hecho una oferta de diez mil dólares a cualquier médium que operara fenómenos psíquicos que él no pudiese igualar por medios naturales― canceló un contrato teatral y se dirigió a Boston para desafiar a Margery. Después de estipular que él estaría sentado junto a la médium, Houdini sensibilizó su pierna derecha ―que había de hacer presión contra la izquierda de Margery durante la sesión― colocándose bajo la rodilla una goma apretada veinticuatro horas antes de la demostración. A la hora de la sesión, la pierna de Houdini estaba tan sensible que habría podido detectar el estornudo de una mariposa a diez pasos de distancia. Una vez apagadas las luces, y cuando Margery hubo entrado en trance, Houdini se levantó la pernera del pantalón, quedando con la piel desnuda de su pierna contra la pantorrilla de Margery, envuelta en seda. Cuando ésta hizo con el pie un movimiento casi imperceptible para accionar el mecanismo (maniobra que Houdini había sospechado siempre), la pierna de Harry vibró como un gong bien golpeado. Poniéndose en pie de un salto, Houdini acusó a Margery de impostura, denunció todo el asunto y volvió a su trabajo en el escenario con sus diez mil dólares, habiendo salvado los 2.500 del Scientific American.

en 1926, durante una gira por los Estados Unidos y Canadá, dio una conferencia en la Universidad de McGill (Montreal) sobre la impostura del espiritismo. En la mañana de su última actuación en Montreal, Houdini yacía, exhausto, en un diván de su vestidor cuando llegaron varios estudiantes que habían asistido a la conferencia. Uno de ellos, que deseaba hacer un dibujo de Houdini, había sido invitado. Los otros se presentaron sin invitación. De pronto, uno de éstos empezó a refutar las opiniones de Houdini sobre el espiritismo. Demasiado cansado para discutir, Houdini trató de calmar a su visitante, pero sólo logró enfurecerlo más. «¿Es cierto que es usted tan fuerte que puede recibir un golpe en cualquier parte del cuerpo sin sufrir lesión?», le gritó. Houdini murmuró vagamente y, antes de que pudiera prepararse, el hombre empezó a golpearle salvajemente en el plexo solar.

aunque estaba gravemente lesionado, Houdini logró ocultarlo, acudiendo al escenario para la representación de aquel día. Pero los que siguieron fueron terribles: perdía y recobraba el conocimiento intermitentemente. En Detroit se desmayó y fue conducido al Mercy Hospital, con el apéndice roto y peritonitis. El 29 de octubre, exhausto, dijo a su mujer: «Mi madre no pudo ponerse en contacto conmigo. Si algo sucede, debes estar preparada. Recuerda este mensaje: Rosabelle, cree», y murió, en la víspera de la Noche de Difuntos. La frase Rosabelle, dulce Rosabelle, procedente de una canción de amor de la época, estaba grabada en el interior del anillo de bodas de su esposa Bess. Por estas palabras reconocería Bess cualquier contacto genuino de Harry desde el más allá.

durante los diez años siguientes, Bess, en cada aniversario de la muerte de su marido, se sentaba en su hogar ante un retrato de Harry iluminado por las velas, esperando alguna señal, que nunca llegó. En 1936, diez años después de su muerte, apagó la luz. Desde entonces, es tradición entre los magos acudir al lugar donde está enterrado e invocar a su espíritu, en la noche del 31 de octubre, la Noche de Difuntos.

ronronea: claudia

la carta de Anita Delgado

el año 1906 Jagatjit Singh, maharajá de Kapurthala, acudió a Madrid con motivo de la boda de Alfonso XIII. En la ciudad se enamoró de una joven llamada Anita Delgado, que actuaba como telonera en el café-concierto Central Kursaal (en la Plaza del Carmen).

la boda real, como es sabido, tuvo un final dramático. Cuando Don Alfonso y la reina Victoria Eugenia regresaban al Palacio Real, a la altura del 88 de la Calle Mayor, el anarquista Mateo Morral lanzó una bomba contra la carroza. Hubo numerosos muertos y heridos, el caos se apoderó de la ciudad, y las delegaciones extranjeras abandonaron Madrid de forma inmediata. Desde París el maharajá siguió insistiendo mediante misivas, con todo tipo de propuestas y ofertas para obtener los favores de Anita, y al final la joven accedió a responder, eso sí con un estilo harto pueril: «Mi cerido rey, malegraré que esté usté con la cabal salú que yo para mí deseo. La mía bien. Adiós gracias. Sabrá usté etc. etc.»

Anita le da la carta al pintor Leandro Oroz, quien se pasa por el café de Levante y le enseña la carta a Valle-Inclán. Valle-Inclán dice: «¡una carta así no se puede enviar!». Entre todos agarran papel y pluma y redactan una carta de amor que es una antología de Chateaubriand, con tales frases y tan maravillosas que al final todos dicen que el maharajá se enamoró del físico de Anita y de la mejor literatura de los grandes del momento.

carta en mano, los tertulianos se echan a la calle. A la entrada de la Puerta del Sol, en el estanco de la derecha, compran un sello de Correos que vale veinticinco céntimos. Cada uno pone su correspondiente perra chica sobre el mostrador. Llegan a la calle de Carretas y echan la misiva en el buzón, diciendo:

«¡Imaginen ustedes que ese príncipe indio se une a La Camelia y tienen un chico! Puede ser que el hijo de la española sea con el tiempo quien se subleve contra Inglaterra y conquiste la independencia del Indostaní. ¡Sería verdadera gloria para nosotros, los cinco que acabamos de comprar el sello! ¿No les parece?»

al final Anita se convirtió en maharaní y fue a vivir a Kapurthala, donde tuvo un hijo de Jagatjit. La historia completa se puede escuchar en este estupendo podcast de RNE

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el extraño guiño de la reina

durante los siglos XVII y XVIII los fuegos artificiales eran mucho más rudimentarios que los actuales. Los colores, por ejemplo, se limitaban casi siempre al amarillo y naranja. Las formas se conseguían introduciendo pólvora en cañones huecos de plumas de ganso y sujetándolos al extremo de un cohete que luego se disparaba.

los especialistas de comienzos del siglo XIX ampliaron su gama de colores al utilizar sales metálicas y cloruro potásico. Una técnica denominada «trabajo de lanza» proporcionó a su vez todo un abanico de efectos teatrales nuevos. Los maestros descubrieron que podían diseñar una escena por medio de listones de madera y recubrir la estructura con lanzas: mezclas combustibles en pequeños envoltorios de papel. Conforme iba encendiéndose un grupo de lanzas tras otro, el público tenía la impresión de que se trataba de imágenes cambiantes o «en movimiento».

en seguida, la culminación de prácticamente todos los espectáculos de fuegos artificiales fue lo que se denominó «composición transformable», realizada con dos tipos distintos de lanzas, montadas sobre un armazón único. Con motivo del Jubileo de la reina Victoria de Inglaterra en 1887, Arthur Brock (miembro de la séptima generación de pirotécnicos de su familia) diseñó una composición transformable en la cual capullos en flor se convertían en un retrato de la familia real, donde dominaba el rostro de la reina Victoria. Sin embargo, la noche de la presentación un empleado interpretó mal las instrucciones que le habían dado, y el error se tradujo ―para asombro de la audiencia― en una imagen de la reina en la que ésta guiñaba el ojo a los asistentes.

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Gaudí y la Sagrada Familia

el proyecto se inició en 1882, cuando un devoto librero, Josep Maria Bocabella, compró el mayor solar de Barcelona para construir una iglesia en honor de Jesús, María y José. Dada su situación, en un barrio humilde, este templo iba a ser una «catedral de los pobres». Bocabella quería rodearlo de escuelas y talleres donde los jóvenes, en lugar de merodear por las calles, pudieran aprender un oficio.

el proyecto sería financiado mediante donaciones. Se comenzaron las obras, pero poco después de la colocación de las primeras piedras, el arquitecto, Francisco del Villar, se desentendió del proyecto a causa de un desacuerdo respecto a una cuestión técnica. Gaudí, que tenía entonces treinta y un años y aún era poco conocido, se hizo cargo de los trabajos.

cuando Gaudí inició el proyecto de la Sagrada Familia se decidió por un diseño convencional neogótico y construyó de esta manera la pequeña cripta. Pero pronto reemplazó los poco atractivos planos generales por un estilo absolutamente innovador y personal. Quería crear algo más que muros y torres. Al decorar la fachada de la Natividad, cuya masa rocosa recuerda las sagradas piedras de Montserrat, Gaudí hizo esculturas de sus propios operarios. Los albañiles posaron como ángeles y santos, y se sacaron vaciados en yeso de sus figuras, que luego fueron ampliadas de tamaño. Para el asno de la Huida a Egipto pidió prestado un burro a una vendedora. Era el arte del pueblo y para el pueblo, según el espíritu de la «catedral de los pobres».


ya a la edad de cincuenta años, el proyecto se había apoderado de él de tal manera que rechazó otros encargos por temor a desperdiciar su precioso tiempo. Como había donado a la iglesia todos sus ahorros vivía pobremente de la venta del vino y las nueces de una pequeña finca que había heredado. De cuando en cuando la escasez de fondos amenazaba con paralizar los trabajos, pero siempre aparecía un generoso donativo, a menudo anónimo, que le permitía seguir con las obras.

en 1925, con más de setenta años, Gaudí hizo una maqueta totalmente nueva de la iglesia, y reveló por primera vez la revolucionaria estructura que había proyectado para el interior del templo. La pesada bóveda estaría apoyada en filas de las mismas columnas inclinadas con las que había experimentado en obras de menor importancia. Cada una de ellas proyectaría, al igual que un árbol, fuertes ramas en su parte superior. De este modo la enorme presión ejercida por la bóveda se dirigiría al suelo sin necesidad de «muletas», como llamaba Gaudí a los contrafuertes convencionales. Los muros, libres de toda carga, serían vidrieras de sesenta metros de altura, que iluminarían el interior del templo de colores irisados.


un año más tarde, en la tarde del 7 de junio de 1926, Gaudí fue atropellado por un tranvía, falleciendo tres días después sin haber recuperado el conocimiento. Recibió sepultura en la cripta de su Sagrada Familia y el templo quedó inacabado. Las obras siguen en la actualidad.

ronronea: naia

vistas a la Sagrada Familia desde el Parc Güell

las obras hacia 1915

detalle exterior

la Sagrada Familia en un día nevado

vista aérea

los huevos de Fabergé

la familia Fabergé, oriunda de Picardía (en el norte de Francia) era protestante, y a partir de 1685 hubo de vagar por Europa huyendo de las persecuciones religiosas. En 1842 Gustav, el padre de Carl, se estableció en San Petersburgo (entonces capital de Rusia), donde abrió un taller de orfebrería y joyería en un pequeño sótano de la calle Morskaya. El negocio prosperó y los Fabergé pudieron mandar al niño, nacido en 1846, al Gimnasio Svetaya Anna, uno de los mejores colegios de la ciudad. Más tarde le enviarán a estudiar el arte de la orfebrería a Alemania, Inglaterra, Italia y Francia. El chico salió inteligente y de buena disposición, de modo que en 1870 su padre ya tenía suficiente confianza en él como para entregarle la dirección del negocio.

en aquella época estaban de moda las joyas grandes, pesadas y ostentosas. El joven Fabergé comprendió que lo principesco en un regalo no es el brillo de los diamantes ni las esmeraldas monstruosas, sino el buen gusto con que haya sido trabajado: la cuidadosa elección de los colores de los esmaltes, la delicadeza del engaste, la habilidad de ejecución de los detalles, tales como enganches y bisagras. Siguiendo esta filosofía huyó de los collares recargados y los broches gigantescos, concentrándose en crear florecillas de pedrería, coches diminutos, sillas de mano y muebles en miniatura, animalitos de piedra tallada. También ofrecía una serie de artículos útiles: gemelos de teatro, cigarreras, mangos de sombrilla, tinteros y tiradores de campanilla, todo ello en refulgentes matices de oro y esmalte. Los clientes juzgaban sus obras irresistibles, y entre ellos llegó a contarse el propio zar Alejandro III.

cierto día de 1883, el zar consultó un problema con su ingenioso joyero. La zarina sufría períodos de depresión profunda, y él quería hacerle un regalo de Pascua, algún juguete que le levantara el ánimo. Fabergé se comprometió a crearlo. Con su característico buen humor, esmaltó un huevo de Pascua de oro, de modo que pareciera un huevo corriente de gallina, pero al abrir la cáscara se descubría una yema de oro mate. Dentro de la yema había una sorpresa: una gallinita de tres centímetros de altura, también de oro y con ojos de rubí. Al levantársele la cabeza, la gallina se abría y en su interior aparecía una miniatura, hecha de brillantes, de la corona imperial. Y dentro de la corona aún colgaba un diminuto pendentif de rubí en forma de huevo.


los soberanos quedaron tan encantados con el ingenio de Fabergé que el zar le ordenó hacer un huevo todos los años. La única condición era que contuviera alguna sorpresa, pero en cuanto a diseño y costo, el maestro joyero tendría carta blanca. Después de la muerte de Alejandro su hijo Nicolás II continuó aquella costumbre, y así durante 34 años, por el Domingo de Pascua, en la corte de los Romanov se regaló siempre un huevo de Fabergé. Los operarios del orfebre trabajaban febrilmente y en el más estricto secreto para cumplir los encargos imperiales (un huevo que contenía un bellísimo modelo de la carroza para la coronación costó a un oficial más de quince meses de trabajo). Fabergé llegó a contar con setecientos artífices y empleados, que trabajaban en un espléndido edificio de cinco pisos en San Petersburgo y en las sucursales que abrió en Moscú, Odesa y Kiev. Fabergé inspeccionaba los encargos importantes en todas las etapas de su manufactura. Siempre se le presentaba la pieza terminada, que él sometía a un minucioso examen. Si encontraba en ella el más leve defecto, la colocaba sobre una lámina de acero que tenía en su mesa, tomaba un martillo especial que reservaba para tales ocasiones y hacía añicos la pieza indigna.

a lo largo de 48 años, la casa de Fabergé produjo en torno a medio millón de objetos con su marca de fábrica. El arte de Fabergé, admirado por la aristocracia rusa durante veinte años, no sería descubierto por el público europeo hasta que los huevos de Pascua imperiales causaron sensación en la Exposición de París de 1900. Fue por entonces que la familia real británica comenzó a hacerle encargos. Cuando Persimmon ―un caballo de Eduardo VII― ganó el Derby, el rey decidió pedir a Fabergé que le hiciera una miniatura del animal. Quedó tan satisfecho del resultado que a continuación le encargó un modelo de su perro favorito, y después de todos los animales de la granja real. Varios discípulos del maestro pasaron algunas semanas entre las caballerizas y las cochiqueras de la granja real en Sandringham para mandar modelos de cera a San Petersburgo, donde se completaba el trabajo. Tan hermosas resultaron las estatuillas que iniciaron una moda en toda Europa.


el hechizo se rompió en 1915. Con motivo de la guerra, en vez de los enjoyados presentes de Pascua hubo sencillos huevos de esmalte blanco, coronados con una crucecita roja. En 1916 el huevo imperial se fabricó fríamente de acero pavonado, montado sobre cuatro granadas de artillería. En 1917 Fabergé hizo un huevo de abedul para los Romanov, que se encontraban en prisión. Los cautivos, ejecutados al año siguiente, nunca llegaron a recibirlo. Cuando los bolcheviques se presentaron a tomar posesión de los talleres del orfebre, en septiembre de 1918, Fabergé huyó de noche disfrazado de diplomático inglés. Falleció en Suiza en 1920, a los 74 años de edad, llevándose consigo los secretos de su arte.









para ver más:
Carl Fabergé eggs en español
los huevos de Pascua Fabergé (joyasimperiales.com) ―estupendo catálogo en pdf, descarga directa en la misma página, abajo

NOTA: no he podido evitar la tentación de editar el post para incluir esta magnífica presentación ¿de Adriana Ferrán o de Jazmín Lobo? (en todo caso recomiendo mucho ampliar a pantalla completa, merece la pena)

ronronea: claudia