en el musical Cats, en el primer acto, se explica que los gatos poseen tres nombres diferentes: el primero es el nombre que sus dueños le ponen, el segundo es un nombre personal, único e individual, y el tercero es un nombre secreto que no se debe revelar.
pues bien, hoy damos la bienvenida a una nueva gata, cuyo segundo nombre es Grizabella. Grizabella es una gata de edad avanzada, que abandonó la tribu Jélica para explorar el mundo exterior y ahora regresa, vencida, en el ocaso de su vida.
al parecer el personaje está basado en un poema inédito que TS Eliot escribió para sus ahijados, con la intención de incluirlo en Old Possum's Book of Practical Cats, pero que finalmente descartó por considerarlo «demasiado triste para los niños». El poema se titula Rhapsody on a Windy Night (Rapsodia en una noche ventosa):
Half-past one,
The street lamp sputtered,
The street lamp muttered,
The street lamp said,
«Regard that woman
Who hesitates toward you in the light of the door
Which opens on her like a grin.
You see the border of her dress
Is torn and stained with sand,
And you see the corner of her eye
Twists like a crooked pin.»
La una y media,
el farol rociaba,
el farol mascullaba,
el farol decía,
«Observa a esa mujer
que vacila hacia ti en la luz de la puerta
que se abre hacia ella como una mueca.
Ves que el borde de su vestido
está desgarrado y sucio de arena,
y ves que el rabillo del ojo
se le retuerce como un alfiler torcido.»
la canción que encabeza el post se llama Memory, y es un clásico. En ella Grizabella, rechazada por la tribu a su regreso, recuerda con nostalgia un pasado glorioso y declara su voluntad de iniciar una nueva vida.
y ya que estoy en ello, aprovecho la ocasión para recuperar un vídeo maravilloso, que siempre logra arrancarme una sonrisa. En The Central Rappahannock Regional Library, al este de Virginia (Estados Unidos), las bibliotecarias protagonizaron este videoclip de manera totalmente amateur para apoyar las bibliotecas y la lectura, en especial frente a los presupuestos ajustados. Recomiendo mucho verlo en tamaño grande, a toda pantalla (ellas están muy, muy simpáticas)
paseando entre las antiguas piedras de la parte medieval de la vieja Girona, me sumerjo entre las leyendas de la ciudad, que hablan de caballeros, damas, brujas y traiciones. Pero hay algo más, además de ese encanto de antaño, que es contado a todo aquél que sepa escuchar.
al entrar al claustro de la catedral, se puede sentir las notas musicales que lleva el viento, voces a un mismo son que cantan en una lengua muerta pero no olvidada: el latín.
sigo los pasos de Marius Schneider, que durante los años cuarenta del siglo XX investigó el simbolismo de las imágenes esculpidas en los diferentes capiteles del claustro. Su conclusión tras un estudio minucioso de años, demostró una conexión directa con las notas musicales. Al hacer una asociación de las mismas, pudo desvelar que aquella sinfonía era un sistema ancestral musical indio, que conformaba un himno religioso.
al comprobar la relación existente entre la piedra esculpida y los sonidos, buscó en otros claustros del territorio catalán obteniendo resultados similares en el Claustro de Santa María en Ripollet y en el monasterio de Sant Cugat del Vallés.
la representación simbólica entre las notas musicales y la figuras de los capiteles, es la siguiente:
DO: águila, mediodía, verano, sur
RE: pavo, pasado
MI: toro sacrificado, león manso, oveja, buey, tarde, otoño, oeste
FA: gallo, león, animal fantástico, mañana, primavera y este
SOL: grulla
LA: pájaro cantor
SI: pez, noche, invierno
la combinación de estas figuras esculpidas, daban las notas a las partituras, además de datos relacionados con la construcción y orientación del claustro y de la catedral.
El veinticinco de junio
le dijeron a el Amargo:
Ya puedes cortar si gustas
las adelfas de tu patio.
Pinta una cruz en la puerta
y pon tu nombre debajo,
porque cicutas y ortigas
nacerán en tu costado,
y agujas de cal mojada
te morderán los zapatos.
Será de noche, en lo oscuro,
por los montes imantados,
donde los bueyes del agua
beben los juncos soñando.
Pide luces y campanas.
Aprende a cruzar las manos,
y gusta los aires fríos
de metales y peñascos.
Porque dentro de dos meses
yacerás amortajado.
diabolus in musica es el nombre que se daba en la Edad Media al tritono, un intervalo musical compuesto por tres tonos adyacentes completos, que genera cierta tensión auditiva. Para entendernos, suena más o menos así:
a lo largo de la historia de la música el tritono ha sido habitualmente asociado al mal y a Satán. El uso del diabolus in musica fue prohibido durante la Edad Media, pues se creía que era una especie de puerta de contacto con el mundo diabólico, probablemente porque puede facilitar el acceso a estados alterados de conciencia. El siniestro eco que acompaña este tritono fue señalado desde el siglo XI como causa de toda suerte de maleficios y desgracias, una puerta al más allá más lóbrego que nadie podía cruzar.
a pesar de tal prohibición, parece ser que los caballeros templarios lo utilizaron en sus ceremonias de iniciación. En el Maestrazgo turolense, concretamente en la encomienda de Castellote, los caballeros templarios levantaron iglesias, conventos y fortalezas, haciendo de esta región un territorio inexpugnable y mágico. Entre tales fundaciones destaca la iglesia de Bordón, construida en honor de la Virgen de la Carrasca, una talla de madera oscura anterior al cristianismo.
la iglesia de Bordón es conocida como «La Rosslyn española» porque, al igual que la famosa iglesia escocesa, su decoración parece esconder misteriosas claves musicales. En el centro de la bóveda de la iglesia turolense se pueden observar diferentes cruces, adornadas con palmas y hojarascas. Son los diseños producidos por una nota musical, la representación física de una resonancia que posiblemente ayudaba al iniciado a alcanzar un estado alterado de conciencia.
durante el Barroco se relajó la prohibición, aunque eso sí el tritono tan solo podía ser utilizado bajo una estricta normativa. Hasta el siglo XIX no pudo ser usado libremente, cuando el Romanticismo ―con su gusto por el misterio― lo rescató para recrear atmósferas tenebrosas y obsesivas.
ya en la época moderna, el tritono ha sido ampliamente utilizado en el blues, un género ―como bien señala sonicando― «ajeno a las prohibiciones y cercano a la oscuridad y al sufrimiento», y sobre todo de clara influencia africana y tribal, lo que en el imaginario popular lo asociaba al vudú. A menudo la vida de los bluesmen estaba envuelta en la leyenda, y se decía de muchos de ellos que habían vendido su alma al Maligno, a cambio de la melodía o la técnica perfecta.
otro estilo musical de nuestros tiempos que se sirve ampliamente del tritono es el heavy metal, el género satánico por excelencia. Black Sabbath, una de las bandas que sentó las bases de heavy metal tal como lo conocemos hoy, usó el tritono como parte esencial en la construcción de los riffs que componen sus canciones, popularizándolo así de manera involuntaria, pues al parecer no conocían la lóbrega historia del diabolus in musica. Según Tony Iommi, el guitarrista de la banda, no pretendían invocar a Satán, tan solo buscaban algo «que sonara realmente malvado y oscuro.»
1492 representa una de las fechas más trágicas de la historia del pueblo judío. Los Reyes Católicos, que por entonces celebraban la toma de Granada y con ella el final de la Reconquista, les expulsan de la Península. Así, los judíos partían para siempre, abandonando una tierra a la que se habían entregado por más de mil quinientos años.
la primera llegada de judíos al reino hispánico se vincula fundamentalmente con la destrucción del segundo Templo de Jerusalén por el emperador Tito en el año 70, y sobre todo con las revueltas de Bar Kojba en el año 135, cuando los judíos levantiscos son exiliados a las antípodas del Imperio, es decir, a Hispania. Desde los primeros siglos, y antes de las invasiones visigodas, ya existían importantes poblaciones judías instaladas en Toledo, Mérida, Granada, Córdoba, Tarragona y las Islas Baleares.
en el año 711, cuando las huestes islámicas invaden la Península, se inaugura una nueva etapa en el territorio hispánico. Los árabes toleraban a los judíos como «gentes de la Biblia», y éstos se convirtieron en eficaces auxiliares para el comercio y la administración.
las conquistas de los reinos cristianos del norte hacen que los reinos de Taifas se derrumben. La invasión de los almorávides, procedentes del norte de Africa, mucho más intransigentes en materia religiosa, provoca que numerosos judíos huyan de sus ciudades hacia los reinos cristianos, donde aportan su sabiduría y sus artes en las tareas del Estado.
a medida que avanza la Reconquista los judíos se van convirtiendo en los reinos cristianos en vasallos directos de la Corona, o en palabras de la época, «cofres del Real Patrimonio», lo que implica que algunas familias judías asuman la tarea de recaudar los impuestos para el rey. Pero a lo largo del siglo XIV la situación cambia, y cada vez más cristianos se ocupan de las tareas administrativas, con lo cual los judíos ya no son imprescindibles. En 1391 no hay rey ni arzobispo en Toledo, y se produce una gran crisis política, religiosa y económica. En tiempos de malas cosechas o de problemas de circulación monetaria, se ve a los judíos como representantes de la Corona y elementos esenciales del crédito, con lo cual se asaltan las juderías no sólo para destruir los documentos de crédito, sino también para agredir al símbolo de un poder que está permitiendo esa desigualdad social.
las calumnias habituales contra los judíos, acusándoles del envenenamiento del agua, de la peste negra y del asesinato de niños llegan a su máxima expresión con Fernando Martínez, representante de la diócesis de Sevilla, quien exige que las sinagogas sean destruidas hasta la última piedra. Enfebrecidas, las masas cristianas atacan la judería sevillana. La orden era matar a todo aquel que se resistiera al bautizo. Y el baño de sangre de Sevilla fue tan solo el principio. El reguero de pólvora se extiende desde Écija por toda Andalucía, lo que tiene como consecuencia la muerte y desaparición, por vez primera, de numerosas juderías. Es la primera vez que se observa que los judíos mueren a millares ―se calcula unos 10.000 asesinatos ―, y además que tales muertes quedan impunes.
un siglo después de las masacres de 1391, los Reyes Católicos deciden expulsar a los judíos de sus reinos. El 31 de marzo de 1492 se decreta que todos los judíos que no se sometan a la fe cristiana tienen tres meses para salir de los territorios hispánicos. El pueblo sefardí se dispersó por toda Europa, norte de Africa, Oriente Medio.. y también huyeron hacia las recién descubiertas tierras americanas. Aunque la procedencia social y territorial de los sefardíes era muy variada, todos tenían una lengua común. En el Imperio otomano las autoridades confiaron en los sefardíes como minoría leal y constructiva, respetando su cultura y costumbres, lo que les permitió conservar su idioma, el judeoespañol, durante cinco siglos y hasta la actualidad. Desde el exilio, Sefarad se convirtió en una imagen de orgullo y dolor.
los árabes atribuyen la sublime arrogancia del camello al hecho de que sólo él conoce el centésimo nombre de Alá. La Humanidad, según la tradición islámica, sabe apenas noventa y nueve
ha sido el otoño de las rupturas. Varixs amigxs, en diversas circunstancias, han dado por finalizadas sus relaciones. Supongo que por eso estos días me viene tanto a la cabeza esta canción..
la misma canción, a diez manos (y hasta suena bien, que es lo más increíble)
el shakuhachi, de más de mil años de antigüedad, es un instrumento musical extremadamente simple y, sin embargo, en manos de un virtuoso posee una gama tonal que ningún instrumento de viento occidental puede igualar.
su estructura resulta engañosa. Es un simple tubo de bambú verde, de unos sesenta centímetros de largo, totalmente hueco y con cuatro agujeros en el anverso y uno en el reverso. Tiene una escala de cinco notas que, en términos occidentales, serían Do-Re-Fa-Sol-La. Mediante esta escala pentatónica, el intérprete del shakuhachi que domine la técnica y haya aprendido a controlar la respiración puede expresar sus propios sentimientos a través del instrumento. Esta magnitud de la expresividad personal es el rasgo más relevante del shakuhachi. Tocar la flauta de bambú supone escapar a la tradicional doctrina de la música occidental que obliga al intérprete a seguir la partitura con precisión. La partitura del shakuhachi constituye sólo un esqueleto formado por las notas, no indica cuándo se debe tocar staccato o legato.
los orígenes del shakuhachi enraizan en las tradiciones del budismo zen. Según la leyenda, vivió en China durante el siglo IX un sacerdote zen de alto rango llamado Fuke quien, antes de morir, preparó su propio féretro, se metió en él y consiguió que un hombre que pasaba por allí le clavase la tapa. Al oírlo, el pueblo se reunió alrededor del féretro y lo abrió. ¡Pero el cuerpo del sacerdote no estaba allí! En su lugar, el pueblo escuchó el sonido de una campana que Fuke tocaba cuando pedía limosna.
la historia recuerda que, hace unos setecientos años, un budista japonés llamado Kakushin, que estudió el budismo zen en China, se interesó por la música del shakuhachi. Cuando terminó su educación, regresó a Japón llevando consigo el shakuhachi y una melodía especial. Se decía que esta canción, llamada Kyorei, encarnaba el sonido de la campanilla de Fuke. En los años siguientes, Kakushin enseñó a todos sus discípulos a tocar la flauta de bambú.
uno de aquellos alumnos, el sacerdote Kyochiku, llegó a ser un virtuoso en el arte del shakuhachi, y a su vez compuso una serie de melodías clásicas para este instrumento. La melodía Kyoku, por ejemplo, sugiere la imagen de una campana en la niebla. Al interpretar el shakuhachi, Kyochiku sentía que su mente se alejaba de los intereses materiales, se relajaba y era absorbido al estado perfecto de la conciencia zen, alcanzando una profunda experiencia espiritual. Con el fin de perpetuar esta experiencia, conocida con el nombre de suizen («interpretar la esencia del zen»), Kyochiku fundó la secta Fuke del budismo zen, adoptando el shakuhachi como símbolo de la misma. En Kyoto, Kyochiku construyó un templo llamado Myoanji, donde los sacerdotes de la secta Fuke aprendían a tocar el shakuhachi. Luego, con vestiduras sacerdotales y sombreros en forma de cono, los komuso (sacerdotes intérpretes del shakuhachi) abandonaban Kyoto para recorrer todo Japón tocando sus instrumentos y predicando las enseñanzas de su secta. De esta forma, a lo largo de los siglos, la flauta de bambú enraizó profundamente en la vida religiosa y secular de Japón.
este año, para celebrar la noche de San Juan, traemos la ―para mí― mejor composición de Mikel Laboa, interpretada por el Orfeón Donostiarra.
se trata de un poema polifónico, de letra sencilla y potente, que evoca la cocción de una pócima de brujas. Me cuentan que las amas y las amamas de las zonas rurales de Euskal Herria cantan esta preciosa canción a niñas y niños, para enseñarles a contar y a vocalizar correctamente. En una traducción aproximada:
baga, biga, higa
uno, dos, tres
laga, boga, sega
cuatro, cinco, seis
zai, zoi, bele
siete, ocho, nueve (también se puede traducir por «cuervo»)
harma, tiro, pun!
diez, (también se puede traducir como «arma») tiro, ¡pum!
xirristi-mirristi
(onomatopeya intraducible que hace alusión al crepitar del fuego)
gerrena plat
asador, plato
olio zopa
sopa de aceite
kikili salda
caldo de pollo
urrup edan edo klik..
beber de golpe o tragar
ikimilikiliklik..
(onomatopeya intraducible, que hace referencia al acto de tragar)
ya se sabe que Euskal Herria es tierra de brujerías. Tanto que la palabra «aquelarre» (del euskera akelarre, aker=macho cabrío; larre=campo) se ha extendido por varios países para designar una reunión de brujos y brujas. Aunque los habitantes de la región tampoco andan cortos en argucias para defenderse de brujas y brujerías. En el Calendario Alavés de la Institución Sancho el Sabio (1970) leemos:
El día de San Juan se recogían cardos llamados sol o carlina (Carlina acaulis), procurando reunir los mayores y más vistosos para lucirse ante los vecinos. En el interior del templo los ponían todos sobre una mesa, colocando el mayor en el centro, y antes de la Misa, los bendecía el señor cura. Al recogerlos, parece que el más hermoso se colocaba en casa del alcalde, y los demás se ponían en la puerta de cada hogar, en las cuadras y algunos se guardaban para llevarlos a los corrales que en los montes altos servían de refugio al ganado, creyéndose que tenían poder especial para preservar a personas y animales de brujas y malos espíritus.
según la tradición las brujas, al encontrar la flor del cardo silvestre (en euskera eguzkilore, flor del sol) en las puertas y como son muy curiosas, se entretienen hasta la madrugada contando sus espinas, librándose así los habitantes de la casa de sus maldades y travesuras.
y de propina: un corto deEuskoproducciones sobre brujas y la celebración de San Juan.
(con agradecimiento a desdevaladilene, por revisar la traducción y por compartir con la gatera esta bonita tradición)
yo no quiero más banderas yo no tengo que entender yo no quiero etiquetas si me quito las cadenas tendré mucho más poder si me quito la bandera puedo volver a nacer
Juan Berrio, un estupendo ilustrador, nos ha sorprendido con este simpático booktrailer, que promociona la última entrega de su muy recomendable serie sobre las plazas de Madrid.
y aprovecho la excusa para recuperar el chotis que versionaran Ariel Rot & The Cabriolets, con ocasión del centenario de la Gran Vía. Ya sé que es antiguo pero me sigue encantando, esa mezcla de tradición, modernidad e ironía me parece, de una extraña manera, muy de la ciudad.
―Si alguien quisiera matarme con un cuchillo, ¿qué harías? ―Lo mataría con mi pistola. ―Si alguien me violase por delante y por detrás y me obligara a tragármelo todo, ¿qué harías? ―Lo mataría con mi pistola. ―Si alguien me hiciese muchísimo daño, tanto que ni en mil años fuera capaz de olvidarlo, ¿qué harías? ―Lo mataría con mi pistola.
pocos misterios se han resistido con tanta obstinación al análisis de la ciencia moderna como el secreto de Antonio Stradivari, el famoso constructor de violines. Durante más de doscientos años, los artesanos han tratado de reproducir el incomparable tono, la sonoridad y la belleza física de los mejores instrumentos jamás producidos en Italia, y en el mundo. Pero nadie lo ha logrado plenamente hasta el momento, y por este motivo, un Stradivarius cuesta hoy una auténtica fortuna.
Estructuralmente hablando, un violín no es más que una caja de madera ―la parte superior por lo general de abeto, y la inferior de arce― que encierra parcialmente un volumen de aire, con cuerdas de metal o de tripa de oveja, unidas con alambre de plata o de aluminio y tensadas a lo largo de la cara superior del instrumento. Pero esto es como decir que la Mona Lisa es una serie de brochazos sobre madera de álamo. El particular sonido del violín depende de muchas variables: el tipo de madera, la forma del instrumento y la clase de tapaporos y barniz empleados.
Las herramientas y plantillas de Stradivari se conservan en un museo de Cremona (Italia), ciudad donde vivió y trabajó, pero su técnica de construcción continúa siendo un misterio. Nadie sabe como trataba la madera, o que clase de barniz usaba. Aunque de madera dura ―lo que da potencia al instrumento―, un violín de calidad requiere un alto grado de amortiguamiento ―atenuación de las vibraciones, por ejemplo mediante barniz― para suavizar y templar el tono. El problema es que si se hace un violín con buen amortiguamiento, se pierde potencia. Si se prescinde del amortiguamiento, se obtiene un tono fuerte y penetrante. El secreto estriba en conseguir un justo término medio. Se trata de una tarea tan ardua, que ni siquiera Stradivari conseguía siempre un alto grado de calidad en sus instrumentos. Durante su larga vida construyó unos 1500 violines, además de violas y violoncelos. De los quinientos que subsisten en la actualidad, muy pocos están en uso.
Y aunque la ciencia llegara a descubrir el secreto de Stradivari, aún quedaría el enigma del arco. Ahí están los maravillosos arcos de François Xavier Tourte, el artesano parisino del siglo XIX, que alcanzan cifras astronómicas en subasta. Hasta la fecha tampoco ha habido nadie capaz de descubrir el secreto de los arcos de Tourte.
«es bien sabido que las gatas madrileñas están perfectamente organizadas y que se reúnen en algún lugar mágico desde el que se diseminan por la ciudad siguiendo las órdenes de una especie de gobierno interno»
